Travertino Romano, da Gramarcal, se destaca no ambiente assinado por Juliana Meda na Mostra Artefacto 2025

Na Mostra Artefacto Curitiba 2025, o ambiente assinado por Juliana Meda apresenta uma proposta pautada pela calma, fluidez e integração visual. Para construir esse espaço, a arquiteta combinou diferentes materiais e soluções que trabalham em conjunto para reforçar a sensação de equilíbrio.

Entre eles, o Travertino Romano, da Gramarcal, que ocupa um lugar de destaque. Aplicado no piso, na parede e na bancada, o material cria uma superfície contínua que unifica o ambiente e reforça a leitura fluida do projeto. Sua tonalidade natural e discreta oferece uma base neutra que organiza a composição sem competir com os demais elementos.

A escolha do Travertino também está alinhada ao conceito do espaço: um refúgio pensado para desacelerar. A uniformidade da pedra amplia a sensação de acolhimento e funciona como ‘pano de fundo’ para os outros componentes.

Dentro desse conjunto, a pedra natural cumpre um papel funcional e estético. Ela garante durabilidade, agrega sofisticação e estabelece uma identidade material coerente com a proposta da arquiteta. É esse equilíbrio entre desempenho, beleza e neutralidade que consolida o Travertino Romano como um dos pilares do ambiente.

A Mostra Artefacto Curitiba está localizada na Rua Comendador Araújo, 672, no Batel.

Sobre a Gramarcal Granitos e Mármores

Completando 40 anos de história, a Gramarcal, uma empresa paranaense, atende desde grandes construtoras até o consumidor final, e tornou-se a maior distribuidora de mármores e granitos do sul do Brasil. Presente em três estados brasileiros (Paraná, Espírito Santo e Santa Catarina) e com duas filiais nos Estados Unidos (Georgia e Carolina do Sul), a empresa conta com estoques de mármores importados, nacionais, granitos, quartzitos, quartzos, cristais, ônix e lâminas porcelânicas, desenvolvidos por meio de um rígido processo que proporciona o mais alto padrão de qualidade aos produtos.

Serviço

Gramarcal Granitos e Mármores

Endereço da sede: R. Fortunato Taverna, 40, Jardim Palmital - Colombo (PR)

Telefone: (41) 3605-6700

Site: gramarcal.com.br

Instagram: @gramarcal

Galeria Ybakatu comemora 30 anos e reinaugura em novo endereço

A Galeria Ybakatu celebra três décadas de atuação com a abertura de seu novo espaço em Curitiba, localizado na Av. Vicente Machado, 1056, Batel. A reinauguração será no dia 29 de novembro de 2025 (sábado), das 11h às 16h, e marca o início de uma nova fase da galeria fundada em 1995 por Tuca Nissel, que nesta trajetória valorizou criadores com pesquisas sólidas e práticas inovadoras, com um olhar atento e sensível para obras e artistas. Na data, será aberta a mostra coletiva {[( Entre )]}, com curadoria de Jhon Voese e obras de 22 artistas de diferentes gerações e linguagens. O novo espaço foi adaptado pelo arquiteto Maurício Pinheiro Lima, para atender às necessidades de uma galeria contemporânea.

Serviço:
Reinauguração da Galeria Ybakatu - 30 anos
Endereço: Av. Vicente Machado, 1056 - Batel, Curitiba (PR)
Data: 29 de novembro de 2025 (sábado), das 11h às 16h
Exposição: { [ ( Entre ) ] } - coletiva com 22 artistas
Curadoria: Jhon Voese
Entrada gratuita

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RELEASE COMPLETO:

Galeria Ybakatu celebra 30 anos com reinauguração em novo espaço que integra arte, cultura e design em Curitiba

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A galerista Tuca Nissel, há 30 anos à frente da Ybakatu - Foto: Gilson Camargo

A Galeria Ybakatu, uma das maiores referências da arte contemporânea em Curitiba, fundada pela galerista Tuca Nissel, comemora três décadas de sua trajetória com reinauguração em um novo endereço, no dia 29 de novembro (sábado) das 11h às 16h, na Avenida Vicente Machado, 1056, Batel (Curitiba - PR). Na ocasião, será realizada a abertura da exposição { [ ( Entre ) ] }, coletiva de 22 artistas com curadoria de Jhon Voese. A entrada é gratuita.

Criada em 24 de novembro de 1995, a Galeria Ybakatu teve sua gênese a partir de uma exposição realizada na casa de Tuca Nissel, como trabalho de conclusão do curso de Escultura na Escola de Música e Belas Artes do Paraná (Embap). O que seria uma tarefa acadêmica, deu início a uma trajetória dedicada à arte contemporânea e à continuidade de uma pesquisa artística sensível. “É emocionante ver que, após 30 anos, a Ybakatu se reinventa sem perder sua essência. Nosso compromisso permanece o mesmo, de sustentar uma pesquisa artística vigorosa e plural, respeitando a poética de cada artista”, afirma Tuca Nissel.

A Ybakatu (nome que significa “arvore que dá bons frutos”) inicia essa nova etapa de sua história em um local amplo, com projeto arquitetônico assinado pelo escritório Pinheiro Lima & Mattioli, dos arquitetos Maurício Pinheiro Lima e Carla Mattioli. O novo espaço foi adaptado para atender às necessidades de uma galeria contemporânea, integrando arte e arquitetura. Conta com iluminação desenvolvida pela E Iluminação e comunicação visual pela Lumen Design. O prédio que abriga a Ybakatu, Vaz Batel, é projetado pela Triptyque Arquiteture (de São Paulo), com construção da Laguna (construtora e incorporadora).

{ [ ( Entre ) ] } marca reinauguração da Ybakatu
Como primeira exposição do novo espaço, a galeria abre a coletiva { [ ( Entre ) ] }, com obras de 22 artistas de diferentes gerações, em linguagens e técnicas diversas (pintura, escultura, videoarte, fotografia, arte digital, técnicas híbridas, entre outras). A curadoria ficou por conta Jhon Voese, pesquisador e curador de arte contemporânea, atuante especialmente no cenário paranaense, com trabalhos em importantes exposições.

A mostra reúne trabalhos de artistas com pesquisas consolidadas e relevantes, marca registrada da Ybakatu, contando com obras de Alex Flemming, André Rigatti, C.L. Salvaro, Claudio Alvarez, Cristina Ataíde, Débora Santiago, Fernando Augusto, Fernando Cardoso, FOD, Gilson Camargo, Glauco Menta, Hugo Mendes, Isaque Pinheiro, João Loureiro, Lígia Borba, Marta Neves, Ricardo E. Machado, Sonia Navarro, Tatiana Stropp, Washington Silvera, Willian Santos e Yiftah Peled.

Raízes em Curitiba, ramos espalhados pelo circuito internacional
Ao longo de seus 30 anos, a Galeria Ybakatu realizou mais de 110 exposições, entre individuais e coletivas. Desde os anos 2000, passou a ter atuação constante fora de Curitiba, representando artistas de várias nacionalidades em feiras de arte no Brasil e no exterior. Participou de importantes edições da ARCO Madrid, esteve presente em quase todas as edições da SP-Arte, além de feiras internacionais em Nova York, Suíça, Lima (Peru) e Londres, ampliando sua atuação e relevância nacional e internacional.

Essa história inclui momentos marcantes com nomes consagrados da arte brasileira. Em 1997, realizou uma exposição do escultor Amilcar de Castro, que também contou com um bate-papo com artistas e estudantes. No ano seguinte, em 1998, promoveu uma exposição conjunta de Arnaldo Antunes e Walter Silveira, reforçando sua vocação para integrar diferentes expressões e gerações. Ao longo dessa trajetória, a galeria também representou e exibiu artistas premiados, contribuindo para a consolidação de carreiras e para a difusão de suas obras em acervos públicos e coleções privadas.

Serviço:
Reinauguração da Galeria Ybakatu - 30 anos
Endereço: Av. Vicente Machado, 1056 - Batel, Curitiba (PR)
Data: 29 de novembro de 2025 (sábado), das 11h às 16h
Exposição: { [ ( Entre ) ] } - coletiva com 22 artistas
Curadoria: Jhon Voese
Entrada gratuita

galeria ybakatu - foto 3D antes da inauguração.jpg
O novo espaço da Galeria Ybakatu
Tatiana Stropp 25.06, 2021 .jpg
Obra de Tatiana Stropp

Alex Flemming_Galeria Ybakatu DSC_4147.jpg
Obra de Alex Flemming

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Obra de C L Salvaro

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Obra de Ligia Borba

Claudio Alvarez - Paisagem Onírica, 2018.jpg
Obra de Claudio Alvarez

André Rigatti, sem título, água-forte, água-tinta e serigrafia sobre papel, 20x15cm, 2025.JPG
Obra de André Rigatti

“Rapsody in the Sky” marca um ponto de inflexão na pesquisa de Bernardo Mora

“Rapsody in the Sky” marca um ponto de inflexão na pesquisa de Bernardo Mora: é aqui que a pulsação cinética começa a emergir com clareza, dissolvendo a rigidez geométrica em ritmo, fluxo e vibração. As diagonais multicoloridas atravessam o campo pictórico como ventos sonoros, criando a sensação de um espaço suspenso, onde luz e movimento se entrelaçam.
A obra se transforma em partitura visual — uma rapsódia aberta, em que céu, cor e deslocamento se convertem em experiência sensorial. “Rapsody in the Sky” marca um ponto de inflexão na pesquisa de Bernardo Mora: é aqui que a pulsação cinética começa a emergir com clareza, dissolvendo a rigidez geométrica em ritmo, fluxo e vibração. As diagonais multicoloridas atravessam o campo pictórico como ventos sonoros, criando a sensação de um espaço suspenso, onde luz e movimento se entrelaçam. A obra se transforma em partitura visual — uma rapsódia aberta, em que céu, cor e deslocamento se convertem em experiência sensorial.

Bernardo Mora

Caixa Cultural Curitiba realiza visita mediada gratuita na Exposição World Press Photo

Na atividade, a gerente de conteúdo da mostra, Joana Klaus, conta curiosidades e bastidores das melhores fotos jornalísticas do mundo

A CAIXA Cultural Curitiba recebe, no sábado (22), a gerente de conteúdo da exposição World Press Photo 2025, Joana Klaus, para uma visita mediada. Em uma ação única e gratuita, Joana vai falar sobre bastidores e curiosidades da mostra que reúne as fotos vencedoras do maior concurso de fotojornalismo do mundo.

Em cartaz até o dia 30 de novembro, a exposição está em sua 68ª edição e retorna à capital paranaense após 20 anos, com 42 projetos premiados que ampliam o olhar para os principais acontecimentos globais. As imagens foram capturadas pelas lentes de fotógrafos de 31 países sob perspectivas sociais, políticas e climáticas.

Em 2025, as imagens trazem à luz temas relevantes como crise climática, conflitos armados, migração, gênero e diversidade, com fotografias que provocam reflexão e ampliam o debate sobre os desafios mundiais da atualidade. A imagem eleita como vencedora do ano foi feita pela palestina Samar Abu Elouf e retrata o menino Mahmoud Ajjour, de 9 anos, ferido durante um ataque israelense à Gaza, em março de 2024. O registro sintetiza o poder da fotografia como ferramenta de denúncia e memória.

Durante o período de exibição, a mostra se une à campanha nacional Feminicídio Zero, conectando o público a narrativas visuais que abordam a violência contra mulheres em diferentes contextos ao redor do mundo, como forma de reforçar o papel da arte na conscientização social para enfrentamento do feminicídio, promoção dos direitos das mulheres e diminuição da violência de gênero.

68º Concurso Anual de Fotojornalismo World Press Photo Criado em 1955, o Concurso Anual World Press Photo tem como propósito reconhecer o melhor do fotojornalismo e da fotografia documental produzidos a cada ano. Por meio de uma estrutura regional de avaliação que busca garantir diversidade e representatividade, o concurso é dividido em seis regiões globais e três categorias por formato: Fotografia Individual, Reportagem e Projetos de Longo Prazo. As imagens são julgadas e premiadas de acordo com a região onde foram produzidas e não pela nacionalidade do fotógrafo.

Entre os vencedores da América do Sul, nas categorias Individual e Reportagem, destacam-se três fotógrafos brasileiros: Anselmo Cunha, André Coelho e Amanda Perobelli, com registros que documentaram desde as enchentes históricas no Rio Grande do Sul até a celebração esportiva da torcida do Botafogo, após conquista inédita em 2024. A novidade deste ano é a ampliação do número de premiados por região, fortalecendo o olhar plural sobre os acontecimentos que moldam o mundo.

O Brasil também se destaca em projetos internacionais, à exemplo da série sobre a seca na Amazônia, do mexicano Musuk Nolte, e a imagem do surfista Gabriel Medina, captada pelo francês Jerome Brouillet, após a manobra que rendeu a conquista de medalha olímpica em Paris.

Na edição de 2025, a premiação celebra as quase sete décadas de existência com números marcantes: 42 projetos vencedores, selecionados entre mais de 59 mil imagens inscritas por 3.778 fotógrafos de 141 países.

SERVIÇO
[Exposição] Visita mediada na Exposição World Press Photo 2025
Local: CAIXA Cultural Curitiba – Rua Conselheiro Laurindo, 280, Centro
Data: sábado 22 de novembro de 2025
Horário: 11h
Inscrições pelo link: https://forms.gle/pcpqkANrbDpfGkzD6
Exposição segue até 30 de novembro de 2025
Horário de visitação: terça a sábado, das 10h às 20h. Domingos e feriados das 10h às 19h
Entrada gratuita
Classificação indicativa: 12 anos
Acessibilidade: As visitas mediadas têm transcrição em Libras e todas as imagens contém audiodescrição
Mais informações e programação completa: Curitiba | CAIXA Cultural | @caixaculturalcuritiba | (41) 3041-2155

NOVA REPRESENTAÇÃO | ANTONIO WOLFF

NOVA REPRESENTAÇÃO

ANTONIO WOLFF

A prática de Antonio Wolff parte da fotografia, mas se expande para territórios onde a imagem é matéria viva, construída e questionada. Em suas obras mais recentes, a fotografia deixa de ser espelho do real para tornar-se espaço de reflexão sobre o próprio ato de ver — uma interseção entre técnica, artifício e percepção.

Wolff investiga o limite entre o visível e o inventado, tensionando o olhar contemporâneo diante da saturação de imagens. A luz de estúdio, o corpo coberto, a moldu- ra e o suporte não funcionam apenas como meios, mas como parte do discurso: aquilo que revela também encena, aquilo que mostra também fabrica.

Seu trabalho propõe uma imagem que é simultaneamente presença e dúvida — um campo de experiência sensorial e crítica, onde o real se apresenta como construção poética.

Antonio Wolff é um artista multidisciplinar baseado em Curitiba, Brasil. Designer por formação, trabalhou grande parte de sua vida com fotografia — base de sua pesquisa — e mantém o foco no trabalho físico e na materialidade da imagem como destino final de sua criação.
Antonio Wolff _ intersecoes - 41x35x3,5cm 2025 -

Double Representation SL4 (2025)
Fotografia impressa em papel premium fibra de algodão (Hahnemuhle /Canson) com pigmentos minerais (padrão museu), pintada com tinta acrilica.
Montada em moldura (madeira) com friso dourado e protegida por ARTglass alemão (vidro museu).
Edição: 25 + 2 PA
Dimensões: 41 cm x 35cm x 3.5 cm

Exposições e Eventos

Individuais:

2025 – “Interseções Imagéticas”, Antonio Wolff Studio (private view only), Curitiba, Brasil

2019 – “PLAGa”, Museu de Arte Municipal de Curitiba (MuMA), curadoria de Marina Ramos –

Curitiba, Brasil

Coletivas:

2023 – “Olhares Cruzados Brasil-Canadá” – Vão-livre do Museu Oscar Niemeyer – Curitiba, Brasil

2022 – “Regards Croisés” – Aéroport International Montréal-Trudeau e Desjardins – Montreal, Canadá

2019 – “Regards Croisés Québec–Curitiba”, com Renaud Phillipe – Ville de Québec, Canadá

2019 – “Onde termina o sol e começa o céu”, curadoria de Marina Ramos – Galeria 31 / Soma Galeria – Curitiba, Brasil

2017 – “Mostra Acervo” – Soma Galeria – Curitiba, Brasil

2017 – “Queer Quarrel” – Airez Galeria – Curitiba, Brasil

2016 – “Overlaid” (com André Mendes), curadoria de Tom Lisboa – Galeria inter(Art)ividade, Pátio Batel – Curitiba, Brasil

2016 – “Arte na Fabrika”, direção de Malu Meyer – Curitiba, Brasil

2016 – “A Casa do Colecionador” – Boiler Galeria – Curitiba, Brasil

2015 – “Arte Contemporânea em Transação”, curadoria de Arthur do Carmo – Limited Edition Art / Casa Lab – Curitiba, Brasil

2015 – “Vistas” (com Henrique Borges e Ricardo Perinni) – Arq/Art Galeria – Curitiba, Brasil

2015 – “Corpus” – Museu da Fotografia – Curitiba, Brasil

2014 – “Curto Circuito Ateliês” – locais múltiplos – Curitiba, Brasil

2011 – “Light Struck: Abstract Photography Today” – Photostop Gallery – White River Junction, Vermont, EUA

2010 – “The Collector’s Eye: Peers” – Fotofest Gallery – Houston, Texas, EUA

2008 – “Coletivo Atalho” – The Factory / Mcomm, Shopping Crystal – Curitiba, Brasil

2007 – “Cidades Visíveis” – FotoEncuentro 07, Caf Auditório – La Paz, Bolívia

2006 – “Cidades Visíveis” – Encuentros Abiertos, Centro Cultural Recoleta – Buenos Aires, Ar- gentina

2006 – “Cidades Visíveis” – Fotoamérica, Museu de Arte Contemporânea – Santiago, Chile

2005 – “Cidades Visíveis” – Fotosiéptiembre, Centro de la Imagen – Cidade do México, México

2005 – “Cidades Visíveis” – Fotorio, Centro Cultural dos Correios – Rio de Janeiro, Brasil

Projeções:

2016 – “Umloboh / App Series” – Circuito de Projeções Subtropikal – Curitiba, Brasil

Instalações:

2018 – “Gaze” (videoinstalação) – Soma Galeria – Curitiba, Brasil

Performances:

2018 – “Body Sweet” – Semana de Performances da Bienal de Curitiba, Soma Galeria – Curiti- ba, Brasil

2017 – “What Kind of Artist (Information Center)” – ZAZ Festival, Arad Contemporary Art Cen- ter – Arad, Israel

2017 – “Do You Believe in Something” – ZAZ Festival, Negev Desert – Arad, Israel

2017 – “Excess Information” – Bamat Meizag – Tel Aviv, Israel

Outros Eventos:

2018 – “pARTE – Feira de Arte Contemporânea de São Paulo” – Soma Galeria – São Paulo, Brasil

2018 – “Leilão Nameless” – Soma Galeria – Curitiba, Brasil

2016 – “Leilão Nameless” – Limited Edition Art – Curitiba, Brasil

2015 – “Leilão Surpraise” – Ateliê 397 – São Paulo, Brasil

Conteúdo para TV:

2019 – “Arte21 – Um artista”, com Livia Fonseca (comentários e apresentação de obras pró- prias)

2015 – “EParaná TV – É-Fotografia – Antonio Wolff”

2014 – “EParaná TV – Fotógrafos Paranaenses – Antonio Wolff”

Wolff
Retrato Antonio Wolff por Vitor Augusto
Antonio Wolff _ intersecoes - 105x143x6cm 2025
Forma A#1 (2025)
Fotografia impressa em canvas premium fibra de algodão (Hahnemuhle/ Canson) com pigmentos minerais (padrão museu).
Montada em chassis com moldura em madeira.
Edição: 6 + 1 PA
Dimensões: 105 cm x 143 cm x 6 cm
Antonio Wolff _ intersecoes -41x34x3,5cm 2025 - .
Double Representation SL4 (2025)
Fotografia impressa em papel premium fibra de algodão (Hahnemuhle /Canson) com pigmentos minerais (padrão museu), pintada com tinta acrilica.
Montada em moldura (madeira) com friso dourado e protegida por ARTglass alemão (vidro museu).
Edição: 25 + 2 PA
Dimensões: 41 cm x 35cm x 3.5 cm
Galeria Zilda Fraletti
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Argentina confirma participação na ExpoApras 2026 durante encontro em Buenos Aires

A Argentina confirmou sua participação na ExpoApras 2026, que será realizada de 14 a 16 de abril, em Curitiba. O anúncio ocorreu durante o evento “Abriendo Mercados: Encuentro de Negocios Argentina–Brasil”, promovido em Buenos Aires pela CAME (Confederação Argentina da Mediana Empresa), em parceria com a APRAS (Associação Paranaense de Supermercados) e a AAICI (Agência Argentina de Investimentos e Comércio Internacional).

A iniciativa busca fortalecer o comércio bilateral, ampliar oportunidades de negócios e integrar cadeias produtivas entre os dois países, com foco no varejo alimentar. Participaram autoridades argentinas, representantes de governos provinciais, supermercadistas paranaenses e empresários do setor de bens de consumo, entre eles o Supermercado Jacomar, BomDia, Bavaresco, Grupo Irani, Condor Super Center e ArauPack.

O presidente da APRAS Harri Pankratz ressaltou o papel do Paraná como porta de entrada para empresas argentinas no Brasil e o peso do setor supermercadista paranaense. “Brasil e Argentina são mercados complementares. Fortalecer esta relação significa ampliar competitividade, inovação e desenvolvimento para empresas dos dois lados da fronteira.” Pankratz destacou ainda que a ExpoApras será plataforma-chave para estreitar laços comerciais e facilitar o acesso de produtos argentinos ao mercado brasileiro.

O superintendente da APRAS, Maurício Bendixen, destacou o caráter prático e contínuo da feira paranaense. “Construímos um ambiente que aproxima governos, instituições e empresários com foco em gerar negócios, abrir mercado e fomentar o crescimento do varejo e da indústria.” Bendixen afirmou que a confirmação argentina para a ExpoApras 2026 amplia as chances de negócios concretos entre empresas de ambos os países.

O presidente da CAME, Ricardo Diab, reforçou a importância do Paraná como eixo de integração comercial. “O Paraná é uma porta de entrada estratégica para o mercado brasileiro. A participação argentina na ExpoApras reforça o compromisso de ampliar mercados, promover inovação e gerar oportunidades para pequenas e médias empresas.” Diab ressaltou que a ação conjunta busca consolidar uma agenda binacional de integração comercial sustentável.

Os próximos passos para aumentar as oportunidades da participação da Argentina na ExpoApras incluem a organização de rodadas de negócios setoriais e a ampliação da delegação argentina na feira, com o objetivo de transformar o evento em plataforma permanente de intercâmbio comercial entre os dois países.

Exposição e música no Jokers

Duas novidades agitam a agenda semanal do Jokers (R. São Francisco, 164 – Centro Histórico). A abertura da exposição Âncoras e o show de lançamento do novo álbum da banda Trilho. No Jardim de Inverno da casa, acontece a exposição coletiva Âncoras, organizada pelo artista plástico e tatuador Anderson Rosa. Ele convidou dez artistas que desenvolveram, a partir de uma base em formato de âncora, trabalhos individuais em diversas técnicas: acrílico, tinta óleo, spray e tinta para tatuagem. Fazem parte da mostra Mário Bernardi, Raquel Brandalise, Daniel Gonçalves Art, Jean Antunes, Adriana Rogalski, Etone Morais, Ronaldo Bones, Wellington Saliba e Bravos Tattoo CWB. A exposição tem entrada franca, pode ser visitada durante o horário de funcionamento da casa e permanece em cartaz até fevereiro de 2026.
E, como destaque da programação musical, acontece nesta sexta-feira (07), no palco principal da casa, o lançamento do álbum Usina do Rock novo trabalho da banda curitibana Trilho. Na abertura da noite haverá a apresentação das bandas Pallets e Pão de Hambúrguer.
Conhecida por abrigar vários gêneros musicais – a tradicional casa noturna de Curitiba comemora 24 anos de atividade, e apresenta uma variedade de atrações tanto no salão Queirolo quanto no seu palco principal. Informações e reservas pelo telefone (41) 3324-2351.
A abertura do Jokers é às 18h, de segunda a sexta-feira, e às 21h nos sábados, com os shows iniciando às 19h30. A casa oferece o Happy Jokers das 18h. até as 20h30 com mais de 100 produtos com 50% de desconto. De quinta a sábado o cliente pode utilizar o estacionamento Gralha Azul – ao lado do Jokers que fica aberto durante o funcionamento da casa.
Confira a programação até o dia 08 de novembro:

Âncoras – Exposição coletiva organizada pelo artista plástico e tatuador Anderson Rosa, com trabalhos individuais em diversas técnicas: acrílico, tinta óleo, spray e tinta para tatuagem. Obras de Mário Bernardi, Raquel Brandalise, Daniel Gonçalves Art, Jean Antunes, Adriana Rogalski, Etone Morais, Ronaldo Bones, Wellington Saliba e Bravos Tattoo CWB. A exposição tem entrada franca, pode ser visitada durante o horário de funcionamento da casa e permanece em cartaz até fevereiro de 2026. Horário de visitação: de segunda a sábado durante o funcionamento da casa. A Mostra permanece até fevereiro de 2026. Entrada franca.

SEXTA 07 NOV, 21 horas– Trilho– A banda faz o lançamento do álbum Usina do Rock. Na abertura da noite apresentação das bandas Pallets e Pão de Hambúrguer. Ingressos antecipados R$25 (2º lote) pelo link: https://goingressos.com.br/evento/trilho-lancamento-do-album-usina-do-rock

SÁBADO 08 NOV – Fechado para evento particular.

Jokers – R. São Francisco, 164 – Centro Histórico.
Reservas e informações: (41) 3324-2351.www.jokers.com.br
Atenção: de quinta a sábado o estacionamento Gralha Azul - ao lado do Jokers estará atendendo durante o funcionamento da casa.

Obras de arte de Karin Brenner são destaque na Mostra Black Home Sul

Quatro ambientes trazem obras da fotógrafa, engenheira civil e designer Karin Brenner, levando a arte para dentro da Mostra

Uma experiência que une arte e design. Essa é a Mostra Black Home Sul, mostra de arquitetura, design, decoração e paisagismo, que traz 20 ambientes, assinados por um elenco de 25 profissionais. A arte pode ser vista em suas mais variadas formas e cores, em todos os espaços da mostra. Entre eles, destacam-se as obras assinadas pela fotógrafa, engenheira civil e designer Karin Brenner.

No espaço “Estar da Colecionadora”, assinado por ela, Ana Paula Pavelski e Cindie Choueri, Karin Brenner trouxe obras da série “Tudo o que se vê”, que retrata ângulos inusitados brincando com projeções de luz e sombra, reflexos, fragmentos estruturais, signos culturais ampliados, detalhes de elementos naturais e topográficos. Seguindo esse mesmo olhar contemporâneo, no lounge Adriática e Bilheteria, onde o projeto é assinado por Claudia Horta e Edison Vello, está uma foto de obra do arquiteto canadense Frank Gehry que dá as boas-vindas aos visitantes.

Já no Living com Lareira, de Ivan Wodzinsky, é o clássico que marca presença. No espaço está uma foto que traz o olhar da fotógrafa de uma escultura de 3 metros em Firenze, além de outras obras que trazem detalhes de um hotel na Europa.

Por fim, a natureza também ganha espaço, agora, no ambiente de Jaqueline Siebert, que assina os Banheiros Funcionais. Por lá, está uma obra que retrata a cachoeira do Parque Nacional dos Lagos de Plitvice, que fica na Croácia.

A Mostra Black Home Sul está localizada no Batel, na Rua Olavo Bilac, em duas casas charmosas, e fica aberta ao público até o dia 25 de novembro. O horário de visitação é de terça a sexta, das 14h às 21h; aos sábados, das 13h às 21h; e aos domingos e feriados, das 13h às 19h. Os ingressos custam R$120,00 (inteira) e R$60,00 (meia-entrada) e estão à venda pelo link: https://eleventickets.com/ediprom/mostra-black-home-sul.

Elenco da Mostra:

Ana Cristina Avila (Códigos de Luxo), Anna Kelly Margatto e Carla Grande (La Vigna Bar), Cássio Robledo (Restaurante Spot 105), Claudia Canales (Jardim das Boas Energias), Claudia Horta e Edison Vello (Recepção), Ivan Wodzinsky (Living com Lareira), Jaqueline Siebert (Banheiros Funcionais e Refúgio Gourmet), July Franchesca Dallagrana (Jardim do Caminhar), Karin Brenner, Ana Paula Pavelski e Cindie Choueri (Estar da Colecionadora), Karen Camilotti (Espaço Gourmet de uma chef Contemporânea), Laura Ribas e Tatiana Ravache (Suíte Reverso), Luiz Maganhoto e Daniel Casagrande (Living Contemporâneo), Natalya Lopes Ferreira (Raízes do Tempo), Priscilla Müller (Cabana Urbana), Rosa Dalledone e Camila Dalledone Gasparin (Suíte do Empresário), Roger França (Studio Casa Brasileira), Viviane Busch (Cozinha Gourmet) e Wilson Pinto (Fachada, Paisagismo Casa 1 e Paisagismo Casa 2).

A Mostra Black Home Sul

A Mostra Black Home Sul teve sua primeira edição realizada em 2024, em Porto Alegre, em uma loja âncora no Shopping Iguatemi. Agora, o projeto chega a Curitiba com uma proposta que alia design, inovação e sofisticação e com o tema Black Experience, propondo a reflexão sobre a importância de viver experiências únicas.

O ponto fundamental é criar e esculpir ambientes que proporcionem aos visitantes os mais variados tipos de experiências sensoriais através do aconchego, conforto e bem-estar, em espaços funcionais que desafiam as convenções arquitetônicas e se harmonizam com a natureza a partir de uma abordagem sustentável.

“Curitiba tem um público muito exigente que valoriza arte, arquitetura, decoração e design. E também tem um mercado em grande expansão neste setor. Por tudo isso, Curitiba merece uma edição da mostra, ainda mais especial”, comenta o CEO da Mostra, Fernando Rodrigues.

A Mostra Black Home Sul conta com o patrocínio da Incorporadora Adriática; com os fornecedores oficiais - Tintas Suvinil, Montrelux, Renomad, Mochon, Grupo Paraná Pedras e Granito, Araucária Perfis, DPM Comunicação Visual e OCA Studio; hotel oficial com o Hotel Nomaa; limpeza oficial da mostra pela Ar - Almeida Soluções; apoio de arte de Davi Tessler e assessoria do evento pela MCOMM.

SERVIÇO:
Mostra Black Home Sul
Data: até 25 de novembro de 2025
Endereço: Rua Olavo Bilac, 486, Casa 01, Batel – Curitiba (PR)
Instagram: @mostrablackhomesul
Ingressos: https://eleventickets.com/ediprom/mostra-black-home-sul
Valores: R$120,00 (inteira) e R$60,00 (meia-entrada - beneficiário legal com comprovação mediante documento) | Crianças até 12 anos não pagam (mediante comprovação de documento)
Dias e Horários:
De terça a sexta: das 14h às 21h
Sábado: das 13h às 21h
Domingos e feriados: das 13h às 19h
Segundas-feiras: fechado

ÚLTIMOS DIAS PARA VISITAR HUMAN BODIES – MARAVILHAS DO CORPO HUMANO EM CURITIBA

“Após grande sucesso na capital paranaense, a temporada encerra no domingo, dia 02 de novembro, no Jockey Plaza Shopping”.

A exposição internacional que vem impressionando Curitiba chega em sua reta final. Com realização da Smart Mix Brasil e produção da Prime, a temporada de “Human Bodies - Maravilhas do Corpo Humano” encerra temporada no domingo, dia 02 de novembro no Jockey Plaza Shopping (R: Konrad Adenauer,370). O horário para a visitação é de segunda a sábado das 14h às 21h, e aos domingos e feriados, das 12h às 19h. Clientes Prime tem vantagem especial. Na compra de dois ingressos, ganham mais 1.

Vista por mais de 40 milhões de pessoas em diferentes países do mundo, traz os mistérios da anatomia que sempre provocaram a curiosidade dos seres humanos. É uma nova experiência ao ver um corpo humano verdadeiro, disposto de forma bonita e educativa.

O acervo da exposição conta com nove corpos reais, em poses inusitadas e numa visão tridimensional da espécie humana, ilustrando os sistemas numa forma dinâmica. São corpos humanos completos e verdadeiros que se doaram em vida para a ciência. Submetidos ao método da plastinação, estão expostos mostrando as maravilhas que existem dentro do corpo humano. Alguns corpos destacam-se por estarem em posições esportivas, como é o caso da acrobata e do tenista.

A técnica usada na exposição “Human Bodies Maravilhas do Corpo Humano” é a plastinação e é parecida com a usada pelo pintor italiano Leonardo da Vinci, que já realizava dissecação e experimentos em corpos humanos e de animais, visando conhecer os mecanismos e funcionamentos.

Ao longo de diversas galerias, são mostradas cerca de cem espécimes e órgãos com objetivo de que os visitantes conheçam a fundo a estrutura de cada sistema, um mergulho por pele e ossos, dos pés à cabeça. Será possível compreender doenças de uma maneira nova e esclarecer os danos e lesões causados aos órgãos por problemas de saúde, como obesidade, artrite, câncer de mama e tabagismo, por exemplo. Espécies de animais também estarão expostas, trazendo um fator ainda mais intrigante à mostra: nossas semelhanças e diferenças. Além dos corpos humanos e animais, uma sala imersiva recebe os visitantes com imagens criadas exclusivamente para a exposição.

Entre os itens à mostra, quem visitar a exposição poderá conferir o corpo dissecado que aparece em uma cena do filme 007 Cassino Royale (2006), gravada em Praga, na República Tcheca, e que tem como protagonista o ator Daniel Craig.

Ingressos

Os ingressos estão à venda a partir de R$40,00 (meia-entrada) + taxa adm pela plataforma www.blueticket.com.br . Clientes Prime tem vantagem especial - Na compra de 2 ingressos, o cliente ganha mais 1. A meia-entrada é válida para estudantes, pessoas acima de 60 anos, professores, doadores de sangue, pessoas com deficiência (PCD) e de câncer. Promoções de combos – Ingresso especial para grupos de 3 a 4 pessoas, desde que ingressem na exposição juntos. Grupos Escolas: Venda de Ingressos especiais para grupos de no mínimo 30 pessoas. Valor único - R$ 35,00 por aluno. Visitas em horários diferenciados. Vendas e agendamentos pelo email: projetoescola@maravilhasdocorpohumano.com.br / (11) 991123275

O que é Plastinação?

A plastinação é um método criado pelo médico alemão Gunther Von Hagens, e realizado desde 1970, em que o espécime é dissecado e submergido em acetona para extrair todos os líquidos corporais. Depois é colocado em um banho de polímero de silicone e vai para uma câmara a vácuo - que substitui a acetona pelo polímero até o nível celular mais profundo. Ao endurecer, a substância deixa o corpo em estado de preservação permanente, com duração infinita. O processo de plastinação de um corpo inteiro chega a demorar um ano – o de um pequeno órgão leva uma semana. Só recentemente, em 2007, o material resultante da técnica ficou disponível para o público, promovendo uma oportunidade única para o aprendizado através do visual.

O Jockey Plaza Shopping fica no Tarumã, na Rua Konrad Adenauer, 370, e tem estacionamento com valor de R$10, por até 30 min, e R$19 por todo o período de utilização dentro da mesma diária. As lojas funcionam de segunda a sábado, das 10h às 22h, e aos domingos, das 14h às 20h. E as operações de alimentação de segunda a sexta, das 10h às 22h, aos sábados, das 10h às 23h, e aos domingos, das 11h às 22h.

Serviço:
Exposição Internacional “HUMAN BODIES – Maravilhas do Corpo Humano”
Realização: Smart Mix Brasil
Produção: Prime
Quando: até 02 de novembro de 2025 (Domingo)
Local: Jockey Plaza Shopping (R: Konrad Adenauer,370),“Espaço Cult Imersiva”, Piso L2
Horários: de segunda a sábado das 14h às 21h, e domingos e feriados, das 12h às 19h.
Ingressos: a partir de R$40,00 (meia-entrada) + taxa adm.
de segunda a sexta feira:
Ingresso Unitário - R$80,00 (inteira)/ R$40,00 (meia-entrada) + taxa adm;
Combo 3 ingressos – R$135,00 + taxa adm;
Combo 4 ingressos – R$180,00 + taxa adm.
Ingressos sábados, domingos e feriados:
Ingresso Unitário: R$100,00 (inteira)/ R$50,00 (meia-entrada) + taxa adm;
Combo 3 ingressos – R$165,00 + taxa adm;
Combo 4 ingressos – R$220,00 + taxa adm.
Promoções de combos – Ingresso especial para grupos de 3 a 4 pessoas, desde que ingressem na exposição juntos*
CLIENTES PRIME – Na compra de 2 ingressos, o cliente ganha mais 1.
A meia-entrada é válida para estudantes, pessoas acima de 60 anos, professores, doadores de sangue, pessoas com deficiência (PCD) e de câncer.
Grupos Escolas: Venda de Ingressos especiais para grupos de no mínimo 30 pessoas. Valor único - R$ 35,00 por aluno. Visitas em horários diferenciados. Vendas e agendamentos pelo email: projetoescola@maravilhasdocorpohumano.com.br e pelo telefone (11) 99112-3275.
Ponto de Venda: www.blueticket.com.br
Informações: www.maravilhasdocorpohumano.com.br / @maravilhasdocorpohumano / @maisumadaprime / @jockeyplazacuritiba
Classificação etária: Livre

Fundação Bienal de São Paulo anuncia participação nacional do Brasil na 61ª Exposição Internacional de Arte – La Biennale di Venezia

Intitulada Comigo ninguém pode, exposição tem curadoria de Diane Lima e participação das artistas Rosana Paulino e Adriana Varejão, que ocupam o Pavilhão do Brasil a partir de maio de 2026

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A Fundação Bienal de São Paulo anuncia a curadoria de Diane Lima para o Pavilhão do Brasil na 61ª Exposição Internacional de Arte – La Biennale di Venezia, que acontece de 9 de maio a 22 de novembro de 2026. As artistas Rosana Paulino e Adriana Varejão, selecionadas pela curadora, integram o projeto curatorial Comigo ninguém pode, que toma as ambiguidades da planta homônima como metáfora de proteção, toxicidade e resiliência. A proposta destaca os diálogos que atravessam as trajetórias de ambas, nas quais reflexões sobre feridas coloniais e reinscrição da história dão lugar a constantes processos de metamorfose, articulando novas possibilidades de imaginação e liberação poética.

“Ser escolhida para conceber o Pavilhão do Brasil em Veneza é uma honra e uma grande responsabilidade”, afirma Diane Lima. “Juntas, Paulino e Varejão representam historicamente o que há de mais revolucionário quando se fala da presença das mulheres no campo da arte nacional. Suas poéticas em consonância e fricção fazem coro com as lutas dos movimentos sociais e da democracia, sem nunca perder a capacidade sensível de nos arrebatar e surpreender com alta qualidade técnica. Junto às ideias de proteção e toxicidade, Comigo ninguém pode, como um ditado popular, também refere-se ao processo de transferência do conhecimento sobre a natureza para o âmbito da vida, refletindo portanto um processo de manifestação coletiva que acontece naturalmente quando ‘comigo’ se torna um ‘nós’, se torna muitos e uma nação inteira, que usa a sua sabedoria como forma de defesa e soberania”, conclui.

“Meu trabalho e o de Rosana Paulino se cruzam na potência das feridas coloniais, matéria que estrutura o DNA de nossas obras e atravessa nossas pesquisas de modo visceral”, afirma Adriana Varejão. “Espero desenvolver com Rosana um diálogo inédito que também se conecte à arquitetura do pavilhão, ampliando as possibilidades de nossas trajetórias artísticas”, complementa. Para Rosana Paulino, “estar no Pavilhão do Brasil em Veneza, ao lado de Adriana Varejão, é a oportunidade de investigar feridas coloniais a partir de perspectivas femininas
distintas que se encontram num diálogo inédito. Esse encontro propõe uma revisão da história da arte ao questionar o cânone e recuperar memórias silenciadas, abrindo caminho para novas possibilidades de futuro”.

A seleção do projeto curatorial e artístico do Pavilhão do Brasil adota, desde 2023, um sistema de avaliação composto por uma comissão de representantes das três instâncias realizadoras – Ministério da Cultura, Ministério das Relações Exteriores e Fundação Bienal de São Paulo –, que analisa projetos de curadores convidados, tornando o processo mais aberto e participativo. “A curadoria de Diane Lima, com a presença de Rosana Paulino e Adriana Varejão, reafirma a potência e a complexidade da produção brasileira no cenário internacional”, diz Andrea Pinheiro, presidente da Fundação Bienal de São Paulo. “Este anúncio coincide com o investimento na recuperação do nosso pavilhão e renova o compromisso institucional de apresentar em Veneza um projeto à altura do debate global que o Brasil tem a contribuir”, conclui.

O anúncio se alinha ao tema oficial da 61ª Exposição Internacional de Arte – La Biennale di Venezia, intitulada In Minor Keys. A edição de 2026 vem na esteira da perda inesperada da curadora nomeada Koyo Kouoh e será conduzida pelo coletivo formado por Gabe Beckhurst Feijoo, Marie Helene Pereira, Rasha Salti, Siddhartha Mitter e Rory Tsapayi, profissionais selecionados por Kouoh para acompanhá-la nesse percurso curatorial e que, agora, dão continuidade ao seu legado.

Recuperação do Pavilhão do Brasil
O anúncio do projeto encabeçado por Lima — que também integrou o coletivo curatorial da 35ª Bienal de São Paulo, ao lado de Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja-Villel — acompanha ainda uma nova fase do Pavilhão do Brasil em Veneza. Em 2024, a Fundação Bienal de São Paulo iniciou o projeto de recuperação do edifício, propriedade do Ministério das Relações Exteriores, em articulação com o Ministério da Cultura. A iniciativa, que em 2026 chega à sua conclusão, contempla etapas de restauro arquitetônico, atualização de infraestrutura, acessibilidade e adequações técnicas para exposições de grande porte, assegurando melhores
condições de conservação de obras e de recepção do público.

Sobre Diane Lima
Diane Lima (Mundo Novo-BA, Brasil, 1986) é curadora, pesquisadora e uma das principais vozes do feminismo negro na arte da América Latina. Foi parte do coletivo curatorial de coreografias do impossível, a 35ª Bienal de São Paulo (2023), e assina a curadoria de exposições como Paulo Nazareth: Luzia, no Museo Tamayo (Cidade do México, 2024) e O rio é uma serpente, a 3ª Trienal de Artes Frestas (2020/2021). Também organizou o programa Diálogos Ausentes no Itaú Cultural (2016–2017), que desempenhou um papel histórico na virada anticolonial da arte contemporânea brasileira. Entre os reconhecimentos recentes estão sua nomeação como vice-presidente do Conselho Consultivo Científico da documenta e do Museum Fridericianum gGmbH (2025, Alemanha) e a premiação pela Ford Foundation Global Fellowship (2021). Diane é autora e editora da antologia Negros na Piscina: Arte Contemporânea, Curadoria e Educação (2024), que documenta os últimos dez anos de debates sobre racialidade e arte no Brasil.

Sobre Adriana Varejão
Adriana Varejão (Rio de Janeiro, Brasil, 1964) desenvolve, desde os anos 1980, uma obra marcada por reflexões críticas sobre o colonialismo e a formação plural da cultura brasileira. Realizou exposições panorâmicas em instituições como Centro de Arte Moderna Gulbenkian, em Lisboa; Pinacoteca de São Paulo; Haus der Kunst (Munique); Museo Tamayo (Cidade do México); ICA (Boston); Malba (Buenos Aires); Hara Museum (Tóquio); e Fondation Cartier (Paris). Também participou das bienais de São Paulo, Sydney, Havana, Liverpool e Istambul. Ao longo de sua trajetória, recebeu importantes reconhecimentos como a Ordem do Mérito Cultural, do Ministério da Cultura do Brasil, e a condecoração Chevalier des Arts et des Lettres, do governo francês. Suas obras integram coleções de museus como Tate Modern (Londres), Metropolitan Museum of Art e Guggenheim (Nova York), Dallas Museum of Art, Stedelijk Museum (Amsterdã), Fundação Serralves (Porto), Museo Reina Sofía (Madri) e MASP (São Paulo). No Instituto Inhotim, em Brumadinho-MG, possui um pavilhão permanente dedicado à sua obra.

Sobre Rosana Paulino
Rosana Paulino (São Paulo, Brasil, 1967) vive e trabalha em São Paulo. Doutora em artes visuais e bacharel em gravura pela Escola de Comunicações e Artes da USP, é também especialista em gravura pelo London Print Studio. Reconhecida como uma das artistas mais relevantes de sua geração, recebeu prêmios de grande prestígio, como o Konex Mercosur: Artes Visuais (Argentina, 2022) e o MUNCH Award (Noruega, 2024). Sua obra integra os acervos de importantes instituições, entre elas: MAM SP, Pinacoteca de São Paulo, MASP e Museu Afro Brasil Emanoel Araujo (todos em São Paulo), Malba (Buenos Aires), MoMA, Nova York, University of New Mexico Art Museum (Albuquerque), Harvard Art Museums (Cambridge), Tate Modern (Londres) e Centre Pompidou (Paris).

Sobre a Fundação Bienal de São Paulo
Fundada em 1962, a Fundação Bienal de São Paulo é uma instituição privada sem fins lucrativos e vinculações político-partidárias ou religiosas, cujas ações visam democratizar o acesso à cultura e estimular o interesse pela criação artística. A Fundação realiza a cada dois anos a Bienal de São Paulo, a maior exposição do hemisfério Sul, e suas mostras itinerantes por diversas cidades do Brasil e do exterior. A instituição é também guardiã de dois patrimônios artísticos e culturais da América Latina: um arquivo histórico de arte moderna e contemporânea referência na América Latina (Arquivo Histórico Wanda Svevo), e o Pavilhão Ciccillo Matarazzo, sede da Fundação, projetado por Oscar Niemeyer e tombado pelo Patrimônio Histórico. Também é responsabilidade da Fundação Bienal de São Paulo a tarefa de idealizar e produzir as representações brasileiras nas Bienais de Veneza de arte e arquitetura, prerrogativa que lhe foi conferida há décadas pelo Governo Federal em reconhecimento à excelência de suas contribuições à cultura do Brasil.

A Fundação Bienal de São Paulo agradece seu parceiro estratégico Itaú e seus patrocinadores máster Bloomberg, Bradesco, Petrobras, Vale, Citi e Vivo.

Pavilhão do Brasil na 61ª Exposição Internacional de Arte – La Biennale di Venezia
Comissária: Andrea Pinheiro, Presidente da Fundação Bienal de São Paulo
Curadoria: Diane Lima
Participantes: Adriana Varejão e Rosana Paulino
Local: Pavilhão do Brasil
Endereço: Giardini Napoleonici di Castello, Padiglione Brasile, 30122, Veneza, Itália
Data: 9 de maio a 22 de novembro de 2026
Pré-abertura: 6 a 8 de maio de 2026

Fundação Bienal de São Paulo
Parque Ibirapuera · Portão 3 · Pavilhão Ciccillo Matarazzo
04094-000 · São Paulo · SP · Brasil
www.bienal.org.br
T +55 11 5576 7600
contato@bienal.org.br

ÚLTIMAS SEMANAS DA EXPOSIÇÃO HUMAN BODIES – MARAVILHAS DO CORPO HUMANO EM CURITIBA

“Após grande sucesso, a temporada encerra no próximo dia 02 de novembro no Jockey Plaza Shopping. Na semana da criança, de 06 a 12 de outubro, crianças com até 10anos acompanhadas por adultos pagantes, não pagam o valor da entrada”.

A exposição internacional que vem impressionando Curitiba chega à fase final da temporada e com novidades. Com realização da Smart Mix Brasil e produção da Prime, a temporada de “Human Bodies - Maravilhas do Corpo Humano” encerra no dia 02 de novembro no Jockey Plaza Shopping (R: Konrad Adenauer,370), instalada no “Espaço Cult Imersiva”, no Piso L2. O horário para a visitação é de segunda a sábado das 14h às 21h, e aos domingos e feriados, das 12h às 19h. Na semana da criança, de 06 a 12 de outubro, crianças com até 10anos acompanhadas por adultos pagantes, não pagam o valor da entrada.

Vista por mais de 40 milhões de pessoas em diferentes países do mundo, traz os mistérios da anatomia que sempre provocaram a curiosidade dos seres humanos. É uma nova experiência ao ver um corpo humano verdadeiro, disposto de forma bonita e educativa.

O acervo da exposição conta com nove corpos reais, em poses inusitadas e numa visão tridimensional da espécie humana, ilustrando os sistemas numa forma dinâmica. São corpos humanos completos e verdadeiros que se doaram em vida para a ciência. Submetidos ao método da plastinação, estão expostos mostrando as maravilhas que existem dentro do corpo humano. Alguns corpos destacam-se por estarem em posições esportivas, como é o caso da acrobata e do tenista.

A técnica usada na exposição “Human Bodies Maravilhas do Corpo Humano” é a plastinação e é parecida com a usada pelo pintor italiano Leonardo da Vinci, que já realizava dissecação e experimentos em corpos humanos e de animais, visando conhecer os mecanismos e funcionamentos.

Ao longo de diversas galerias, são mostradas cerca de cem espécimes e órgãos com objetivo de que os visitantes conheçam a fundo a estrutura de cada sistema, um mergulho por pele e ossos, dos pés à cabeça. Será possível compreender doenças de uma maneira nova e esclarecer os danos e lesões causados aos órgãos por problemas de saúde, como obesidade, artrite, câncer de mama e tabagismo, por exemplo. Espécies de animais também estarão expostas, trazendo um fator ainda mais intrigante à mostra: nossas semelhanças e diferenças. Além dos corpos humanos e animais, uma sala imersiva recebe os visitantes com imagens criadas exclusivamente para a exposição.

Entre os itens à mostra, quem visitar a exposição poderá conferir o corpo dissecado que aparece em uma cena do filme 007 Cassino Royale (2006), gravada em Praga, na República Tcheca, e que tem como protagonista o ator Daniel Craig.

O que é Plastinação?

A plastinação é um método criado pelo médico alemão Gunther Von Hagens, e realizado desde 1970, em que o espécime é dissecado e submergido em acetona para extrair todos os líquidos corporais. Depois é colocado em um banho de polímero de silicone e vai para uma câmara a vácuo - que substitui a acetona pelo polímero até o nível celular mais profundo. Ao endurecer, a substância deixa o corpo em estado de preservação permanente, com duração infinita. O processo de plastinação de um corpo inteiro chega a demorar um ano – o de um pequeno órgão leva uma semana. Só recentemente, em 2007, o material resultante da técnica ficou disponível para o público, promovendo uma oportunidade única para o aprendizado através do visual.

O Jockey Plaza Shopping fica no Tarumã, na Rua Konrad Adenauer, 370, e tem estacionamento com valor de R$10, por até 30 min, e R$19 por todo o período de utilização dentro da mesma diária. As lojas funcionam de segunda a sábado, das 10h às 22h, e aos domingos, das 14h às 20h. E as operações de alimentação de segunda a sexta, das 10h às 22h, aos sábados, das 10h às 23h, e aos domingos, das 11h às 22h.

Serviço:
Exposição Internacional “HUMAN BODIES – Maravilhas do Corpo Humano”
Realização: Smart Mix Brasil
Produção: Prime
Quando: até 02 de novembro de 2025 (Domingo)
Local: Jockey Plaza Shopping (R: Konrad Adenauer,370),“Espaço Cult Imersiva”, Piso L2
Horários: de segunda a sábado das 14h às 21h, e domingos e feriados, das 12h às 19h.
Ingressos: a partir de R$40,00 (meia-entrada) + taxa adm
de segunda a sexta feira:
Ingresso Unitário - R$80,00 (inteira)/ R$40,00 (meia-entrada) + taxa adm;
Combo 3 ingressos – R$135,00 + taxa adm;
Combo 4 ingressos – R$180,00 + taxa adm.
Ingressos sábados, domingos e feriados:
Ingresso Unitário: R$100,00 (inteira)/ R$50,00 (meia-entrada) + taxa adm;
Combo 3 ingressos – R$165,00 + taxa adm;
Combo 4 ingressos – R$220,00 + taxa adm.
Promoções de combos – Ingresso especial para grupos de 3 a 4 pessoas, desde que ingressem na exposição juntos*
Grupos Escolas: Venda de Ingressos especiais para grupos de no mínimo 30 pessoas. Valor único - R$ 35,00 por aluno. Visitas em horários diferenciados. Vendas e agendamentos pelo email: projetoescola@maravilhasdocorpohumano.com.br e pelo telefone (11) 99112-3275.
Ponto de Venda: www.blueticket.com.br
Informações: www.maravilhasdocorpohumano.com.br / @maravilhasdocorpohumano / @maisumadaprime / @jockeyplazacuritiba
Classificação etária: Livre

Curitiba Recebe 150 Araras de Moda Circular com Looks Primavera/Verão no Saí do Armário

O primeiro fim de semana de outubro chega com novidades e promete aquecer a temporada primavera/verão no Encontro de Brechós Saí do Armário, um dos maiores eventos de moda circular de Curitiba. Nos dias 04 e 05, das 10h:00 às 18h:00, a Galeria Green Center será tomada por mais de 150 araras, reunindo 29 brechós por dia e oferecendo peças a partir de R$10 em uma verdadeira curadoria de estilos, tamanhos e tendências.
Mais do que um evento, o Saí do Armário se firma como um espaço onde moda e consciência caminham lado a lado. Nesta edição, os olhares se voltam para a estação das flores, com estampas coloridas e peças leves que inspiram novas formas de se vestir. “Aqui, a moda é diversa, acessível e autêntica. Queremos que cada visitante sinta que pode expressar sua identidade com liberdade, escolhendo entre muitas opções que cabem em diferentes estilos e bolsos”, afirma Gabriela Feola, idealizadora do projeto.
A programação também se renova: no sábado, o público encontra produtos coloniais, acessórios, itens geek, além de chopp e drinks. Já no domingo, a experiência se completa com lingeries novas, cookies, doces, produtos coloniais, acessórios, chopp e drinks. O grande destaque é a chegada dos looks para o verão, reforçando o caráter inclusivo e inovador do Saí do Armário.
Esse compromisso com a moda consciente é reforçado por Kerolen Martins, que também está à frente da organização: “Esta edição é um convite para o público curitibano se preparar para o verão com moda circular. Queremos mostrar que é possível lançar tendências e consumir com consciência, encontrando peças que contam histórias e inspiram novos olhares.”
O evento se consolida por oferecer qualidade, preço justo e variedade, atendendo desde quem busca peças exclusivas até quem procura boas oportunidades em liquidações. A cada edição, a organização amplia os segmentos para dialogar com diferentes públicos e estilos de vida.

Serviço:
🎉49° Encontro de Brechós Saí do Armário
🏘️Local: Galeria Green Center
🧭Endereço: Rua São Francisco, 232 e Rua Treze de Maio, 439 – Centro – Curitiba.
🎫Entrada: Franca
📅Datas: 04 e 05 de outubro – Sábado e Domingo
🕛Horário: das 10h:00 às 18h:00
🐶Pet friendly

Rede sociais:
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Eleutherio Netto abre o exposição Tríade na Artestil

Eleutherio Netto inaugura “Tríade” na Artestil, explorando o diálogo entre ancestralidade, matéria orgânica e o efêmero ressignificado
A Artestil Galeria de Arte, referência no cenário das artes visuais da Região Sul há mais de quatro décadas, anuncia a abertura da exposição individual “Tríade” do artista visual Eleutherio Netto. A mostra inaugura no próximo sábado, 27 de setembro, às 11 horas, na galeria do Batel.
Eleutherio Netto, artista paranaense nascido em 1971, sintetiza em “Tríade” 20 anos de trajetória, oferecendo uma investigação profunda sobre a ressignificação de objetos e a transformação da matéria. O título da exposição evoca o equilíbrio, a unidade e a complementaridade, apresentando ao público três linguagens que estruturam a produção recente de Netto.
A exposição
As pinturas com pigmentos naturais, muito marcantes na sua obra e que estabelecem uma ligação direta com a terra e a ancestralidade, estão presentes na mostra. O artista é reconhecido por explorar técnicas raras de pigmentação e tem como marca registrada o uso apaixonado do azul ultramarino, extraído da pedra preciosa lápis-lazúli. O mesmo acontece com suas esculturas em madeira, tradução da força, solidez e permanência da matéria orgânica e com muita identificação com a produção e Netto.
Uma novidade são as esculturas de dobraduras criadas a partir de livros e revistas antigas. Estas obras propõem uma ressignificação do efêmero e do descartado, transformando-os em novas narrativas visuais que causam grande encantamento.
A exposição “Tríade” é apresentada como um gesto criativo de "Transformar, ressignificar, renovar", buscando transportar o espectador para um “Outro Universo Possível”.
O artista
Formado em pintura e desenho industrial, Eleutherio Netto tem em seu currículo exposições no Brasil e no exterior. Sua arte é multifacetada e fortemente influenciada por sua fixação pela arquitetura (especialmente os ícones de Curitiba, dos quais captura texturas craqueladas) e por suas vivências imersivas com a cultura indígena, como a visita ao Parque Indígena do Xingu. Netto utiliza apenas o essencial, priorizando a geometria dos volumes e uma paleta de cores vivas, resultando em "poesia pura".
A galeria
A Artestil é uma das mais tradicionais galerias do Sul do Brasil, com mais de quarenta anos de história. Sob a direção de Liliana Cabral, a galeria representa importantes artistas paranaenses e nomes nacionais e internacionais, incluindo Eleutherio Netto. Liliana Cabral possui um vasto currículo de mostras realizadas em importantes espaços culturais, como o Museu Oscar Niemeyer. A galeria está localizada em um novo endereço na Alameda Dr. Carlos de Carvalho, Batel, região vocacionada para arquitetura e decoração em Curitiba.
SERVIÇO
Exposição: Tríade, por Eleutherio Netto
Abertura: Sábado, 27 de Setembro de 2025, às 11:00
Local: Artestil Galeria de Arte – Alameda Dr. Carlos de Carvalho, 1663 – Batel,
Funcionamento: Segunda a sexta-feira, das 9h30 às 18h30; Sábado, das 9h30 às 13h30.

De Veneza a Curitiba: “AQUI ONDE ESTOU” promove conversa sobre colecionismo na SOMA

Exposição entra na reta final com encontro conduzido pela curadora Analize Nicolini com Carla Bordin e Tony Camargo, no dia 09 de setembro

Curitiba, 04 de setembro de 2025 - Depois de ocupar, em 2022, a sede da WeExhibit, em Veneza, durante a 59ª Bienal, a pesquisa curatorial iniciada em DAQUI DE ONDE ESTOU chega a Curitiba em um novo capítulo: AQUI ONDE ESTOU — resto, risco, ruína e rastro. Em cartaz até 28 de setembro, na SOMA – People & Culture, a mostra reúne 15 obras de nove artistas do Brasil, Uruguai e Chile, apresentadas em espelho, cerâmica, néon, vídeo, fotografia, instalação e performance. Concebida como um mapeamento crítico da arte contemporânea na América do Sul, a exposição reflete sobre presença, resistência e transformação por meio de um território sensível e político.

Com curadoria de Analize Nicolini e produção da BraSA.Art, AQUI ONDE ESTOU marca a estreia da ocupação curatorial permanente da pesquisadora na SOMA, que passa a abrigar um programa contínuo de exposições, mediação e pesquisa. O projeto não busca respostas, mas oportuniza diálogos que conectam obras e públicos em torno de temas urgentes, revelando tensões entre corpo, território, linguagem e silêncio.

Território em movimento

A mostra se estrutura em quatro vetores: resto, risco, ruína e rastro, além de propor três perguntas que funcionam como guias críticos e afetivos: Quem pode falar e ser ouvido? Como corpos e territórios resistem? O que a arte propõe aqui e agora?

As obras não ilustram conceitos. Elas agem, provocam e deslocam percepções. Cada trabalho cria zonas de instabilidade fértil, onde presença e apagamento, gesto e matéria, memória e colapso se entrelaçam. Ao percorrer a exposição, o visitante é convocado a responder ao mundo através da experiência artística.

Artistas participantes

Participam da Mostra Analize Nicolini, Kamilla Nunes, Raïssa de Góes, Bárbara Oetinger, Ana Campanella, Luiza Baldan, Aline Natureza, Sebastián Errázuriz R. e Tony Camargo, criando um território múltiplo de investigação sobre gesto, matéria e linguagem.

Conversa sobre colecionismo

No dia 09 de setembro, terça-feira, pós-feriado, a programação inclui uma conversa sobre colecionismo, mediada por Nicolini. Participam a colecionadora Carla Bordin e o artista Tony Camargo.

Carla Bordin, arquiteta e fotógrafa, traz a perspectiva de quem constrói coleções que não se limitam ao acúmulo de obras, mas fomentam relações vivas entre artistas, processos e públicos. Neste recorte, sua contribuição será refletir sobre como o colecionismo pode atuar como força crítica, ampliando espaços de diálogo e circulação para diferentes práticas contemporâneas.

Tony Camargo é artista visual cuja obra transita pela fotografia, instalação, vídeo e performance. Participou de importantes mostras, como a X Bienal do Mercosul, e tem trabalhos em acervos de instituições como o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), Museu Oscar Niemeyer (MON) e Museu de Arte do Rio (MAR). Vencedor do Prêmio Funarte de Arte Contemporânea (2012) e indicado ao Prêmio Pipa, traz para o bate-papo a perspectiva de quem vivencia a criação artística e suas conexões com o mercado e a memória coletiva.

“Falar de colecionismo é também falar sobre escolhas afetivas. É um campo que envolve encontros e visões de mundo,” reflete Analize Nicolini.

Últimas semanas para visitação

Com entrada gratuita, a mostra abre espaço para a reflexão crítica sobre o presente a partir da produção artística sul-americana, reconhecendo a singularidade das vozes que a compõem. As últimas semanas de exibição são um convite para mergulhar em experiências que atravessam a arte como potência de transformação e resistência.

Sobre a BraSA.Art

A BraSA.Art é uma plataforma independente dedicada à arte, crítica, curadoria e formação. Fundada em 2019 por Analize Nicolini, a BraSA atua com programas de residência artística e curatorial, além de ações de difusão e comercialização de obras, conectando artistas e públicos em uma rede que integra pensamento, prática e circulação de narrativas críticas no campo das artes.

Com atuação no Brasil e no exterior, a plataforma já realizou exposições no Rio de Janeiro, Curitiba, Veneza e Lisboa, além de residências artísticas nessas cidades, fortalecendo conexões e ampliando os espaços de experimentação e troca.

Serviço:

AQUI ONDE ESTOU — resto, risco, ruína e rastro

Período: até 28 de setembro de 2025

Local: SOMA – People & Culture (Rua, José Bernardino Bormann, 730, Batel).

Conversa sobre colecionismo: 09 de setembro, terça-feira, às 18h30

Entrada: gratuita

Saiba mais em: https://www.analizenicolini.com/brasa/

Pátio Batel anuncia ocupação inédita de arte contemporânea com artistas nacionais

Iniciativa coloca a arte como protagonista, em evento com curadoria de Ana Carolina Ralston; exposição fica aberta para visitação de 3 de setembro a 15 de outubro

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Créditos: Pátio Batel Content Lab

O Pátio Batel anuncia "Vestir o Olhar", uma mostra inédita de arte contemporânea com artistas brasileiros. A iniciativa coloca a arte como protagonista em uma ação que ocupa três andares do shopping com obras de nove artistas. A ocupação, que fica aberta para visitação de 3 de setembro a 15 de outubro, transformará o Pátio em uma galeria aberta ao público, reunindo nomes como Verena Smit, Renata Egreja e Guita Soifer, entre outros.

“A ocupação reforça o compromisso do Pátio Batel em gerar repertório e enriquecer a cultura de arte de nossos clientes. Valorizamos a arte nacional e, ao mesmo tempo, evidenciamos a conexão intrínseca entre a arte e a moda, um convite para que nosso público se inspire e vista o olhar para o novo”, avalia Camila Fleischfresser, head de marketing do Pátio Batel.

Democratização da arte contemporânea e suas relações com a moda

À frente da curadoria do projeto está Ana Carolina Ralston, pesquisadora de arte independente, com passagem por grandes publicações nacionais do segmento artístico e parcerias com o Pavilhão da Bienal e com o MIS-SP.

Realizada em parceria com a produtora Ayo Cultural, que já realizou mais de 100 projetos de artes visuais no Brasil e no exterior, a mostra busca despertar novas percepções entre o público do Pátio Batel. "É maravilhoso a gente criar essas conexões, tanto visuais como mentais e intelectuais, entre artistas que atuam em diferentes áreas e em diferentes linguagens", comenta Ana Carolina.

Obras site-specific foram pensadas para o Pátio Batel

A exposição foi idealizada para ser site-specific, ou seja, com obras criadas especialmente para os espaços do shopping. As instalações artísticas, muitas delas, são aéreas, podendo ser vistas de diferentes pontos de vista, criando uma atmosfera artística por todo o shopping. Para enriquecer a experiência do público, a exposição contará com visitas guiadas a partir do dia 11 de setembro, sempre às quintas-feiras, tendo como ponto de partida o átrio do shopping, no piso L1, que estará ambientado como um living, um espaço de recepção e contemplação assinado pelo decorador Marcos Soares. Entre os destaques do mobiliário, está um sofá do renomado designer egípcio Karim Rashid.

Confira abaixo a lista completa dos artistas de “Vestir o Olhar”:

Guita Soifer: Uma das artistas paranaenses mais importantes da história, seu trabalho transita por diversas linguagens, como pintura, gravura, fotografia e vídeo-arte.

Verena Smit: Multiartista de São Paulo, conhecida por expandir o conhecimento por meio de diversas técnicas, como serigrafias, objetos e performances. Sua obra dialoga com grandes marcas, como Vivara e Gucci, com a qual colabora desde 2015.

Aline Bispo: Artista visual e ilustradora de São Paulo, sua prática se centra na pluralidade da experiência brasileira, com imagens de forte caráter gráfico. Colaborou com a Hering em uma coleção-cápsula.

Vigas: Explora arte e tecnologia com projetos que utilizam projeções em grande escala, instalações de luz e performance. Colaborou com a Bvlgari no projeto global Bvlgari Studio no Brasil.

Renata Egreja: Pintora com gestualidade solta e enérgica, sua formação na FAAP-SP e em Paris a levou a um abstracionismo que evoca ícones sagrados do Oriente e a simbologia botânica. Colaborou com a Salvatore Ferragamo em uma coleção-cápsula para a América Latina.

Filipe Jardim: Ilustrador carioca radicado entre Brasil e França, com uma sólida carreira internacional e parcerias com grifes como Hermès, Chanel, Louis Vuitton e Tiffany.

Coletivo Brutas: Formado por Erica Storer, Estelle Flores, Gio Soifer, Jéssica Luz e Paula Calory, o grupo cria a partir da memória compartilhada, com as palavras como seu território comum.

André Azevedo: Artista curitibano que manipula a matéria ordinária, adicionando camadas simbólicas. Sua pesquisa com tecidos se baseia em sua experiência pessoal e familiar.

Mariana Palma: Dedica-se a aquarelas e pinturas e já realizou exposições em diversas cidades, incluindo Curitiba.

"Eu acredito muito que as artes visuais são a ‘ponta da lança’, quando a gente fala para onde o mundo está indo. Então, nada mais esperado que as artes estivessem integradas em um local que também mostra todas essas tendências no ato de vestir", conclui a curadora.

Serviço
Vestir o Olhar
De 3 de setembro a 15 de outubro
Pátio Batel - Av. do Batel, 1868
Agendamentos devem ser feitos via Concierge: 41 3069 8301 (também disponível em WhatsApp) ou concierge@patiobatel.com.br
Mais informações: patiobatel.com.br/vestiroolhar

Sobre o Pátio Batel
Entretenimento, cultura, lazer e compras em um local singular de Curitiba. O Pátio Batel é o único shopping do segmento luxo do Sul do Brasil, contando com aproximadamente 190 estabelecimentos, sendo 72 lojas exclusivas, como Prada, Burberry, Gucci, Hugo Boss, Louis Vuitton e Tiffany & Co. Em seus 11 anos de história, a marca Pátio Batel se posiciona como “única em todos os sentidos”: um espaço para ser acolhido em uma experiência de bem-estar, moda e luxo.

Realismo fantástico brasileiro em Baku

A exposição Reflexões da Eternidade, do artista plástico Luiz de Souza, acontece até abril de 2026 no Centro Heydar Aliyev, no Azerbaijão

O artista plástico catarinense Luiz de Souza comemora 30 anos de carreira com uma retrospectiva no Centro Heydar Aliyev, o maior centro cultural do Cáucaso, em Baku, capital do Azerbaijão. A exposição Reflexões da Eternidade, abriu em maio e permanece em cartaz até abril de 2026, com 39 obras inspiradas no realismo fantástico, divididas em três esculturas e 36 quadros em óleo sobre tela. A mostra acontece no Salão Principal do espaço, que já recebeu coleções de artistas como Andy Warhol, Salvador Dalí e, no ano que vem, Botero.
A história desta exposição começou de forma inusitada. Em 2024, Souza, em meio a mensagens no Instagram, recebeu um convite oficial para expor no Centro Heydar Aliyev. No início, não acreditou, achou que fosse mais uma mensagem entre tantas que recebe do mundo todo. Mas a equipe do Azerbaijão insistiu tanto que ligaram para a galeria que o representa em Curitiba, a Um Lugar ao Sol. Foi aí que ele percebeu que era sério. A proposta: realizar uma individual inédita em Baku. O problema? O prazo. Luiz pediu um ano e meio para criar obras novas, mas ele teria apenas quatro meses para entregá-las. A urgência virou parte do conceito da exposição e acabou inspirando o tema central: o tempo.
Sem acervo disponível, Luiz recorreu a colecionadores para pedir empréstimos. Enquanto isso, ele acelerava a produção de novas peças, paralisava encomendas e corria contra o relógio. No fim, selecionou e enviou imagens de 48 obras disponíveis ou inéditas, das quais 39 foram escolhidas para compor a exposição. Destas 10 foram produzidas especialmente para a ocasião. Luiz de Souza lembra que durante esse processo estabeleceu um intenso diálogo com a curadoria do Centro Heydar Aliyev. “É importante lembrar que o empenho e a dedicação do sr. Anar Alakbarov, diretor do Centro e assistente do presidente da República do Azerbaijão, foram fundamentais para acontecer a exposição Reflexões da Eternidade”, reconhece.
A escolha das obras então foi, naturalmente, relacionada a ligação delas com o tempo, e a curadoria foi desenvolvendo o tema. O título escolhido sintetiza as investigações filosóficas presentes na trajetória do artista: o desejo humano de permanência, a busca por resistir ao tempo e o questionamento sobre o que realmente é eterno. “O ego do ser humano é sempre sobre isso, sobre a sua obra permanecer. Você morre, mas a sua obra fica”, reflete o artista, que encara o tempo e a eternidade como matéria e tema centrais em sua produção.
Essa reflexão perpassa toda a carreira de Luiz, que há décadas explora a tensão entre o efêmero e o duradouro em suas pinturas e esculturas. Em obras como Contagem Regressiva, com a figura em uma motocicleta que se move no sentido anti-horário em relação aos ponteiros do relógio, como se estivesse voltando no tempo para refazer o caminho percorrido, ou nas criações que abordam o extinto pássaro Dodô, Luiz questiona a arrogância humana e nossa tentativa de dominar a natureza e o tempo. “O eterno pode ser o momento em que a tua mãe te fez um carinho, ou uma construção que dura séculos”, pontua. Ao mergulhar por horas na pintura, o artista experimenta pessoalmente essa relatividade do tempo — “às vezes eu começo a trabalhar às 11 da noite e, quando vejo, o dia amanheceu”, comenta reafirmando sua busca constante por imortalizar sentimentos e reflexões e convidando o público para pensar sobre sua própria finitude e legado.
Uma curiosidade: as obras chegaram a Baku após uma saga em que o próprio tempo, tema central da mostra, virou personagem real. A Receita Federal entrou em greve e elas ficaram retidas 40 dias no aeroporto de Campinas. O artista, com viagem marcada, embarcou para o Azerbaijão antes delas, participando de compromissos oficiais enquanto aguardava as obras chegarem. Liberadas apenas dias antes, as peças foram montadas em tempo recorde. A abertura, no dia do aniversário do artista, reuniu quase mil convidados numa noite especial com música ao vivo e coreografia com os personagens da commedia dellarte, presentes em algumas obras de Luiz de Souza, interagindo com os espectadores. No fim, a mostra celebrou a arte brasileira e mostrou que o tempo pode ser um grande aliado quando se transforma em arte.

Luiz de Souza
Autodidata desde criança, Luiz de Souza desenha desde os três anos, sempre com um olhar imaginativo e fora do comum. Natural de Lauro Müller (SC), passou a infância encantado com as figuras coloridas dos circos que acampavam no terreno de seu pai, inspiração que ecoa até hoje em sua obra. O traço sempre foi realista, mas as cenas, alegóricas e cheias de fantasia, o aproximam do chamado realismo fantástico, estilo que ele abraçou após ser classificado assim por curadores europeus.
Antes de se dedicar à pintura, Luiz experimentou outras áreas: cursou contabilidade, estudou publicidade, fez teatro amador e trabalhou em escritórios. Foi em Joinville, ao se deparar com um artista ampliando um cartaz de circo, que entrou para o universo da publicidade como ilustrador, experiência que o aproximou ainda mais do desenho. Depois, trabalhou em vários locais, inclusive em Rondônia, sempre seguindo o instinto artístico.
A mudança definitiva para Curitiba marcou o início da trajetória como pintor profissional. Começou ilustrando para a Editora Expoente e, incentivado por um amigo, produziu suas primeiras telas , vendidas imediatamente em uma galeria local. De lá para cá, nunca mais parou. Luiz desenvolveu seu trabalho mantendo a liberdade criativa que define sua personalidade expansiva.
Hoje, com obras espalhadas pelo Brasil e Europa, Luiz de Souza transita principalmente no realismo fantástico, criando narrativas visuais cheias de cor e simbologia crítica. Seja em retratos, figuras alegóricas ou personagens inspirados na commedia dell'arte, sua pintura revela muito além do impacto estético inicial: há sempre uma história escondida, esperando ser descoberta.